Giovanni Boldini: Maestro del Ritratto nella Belle Époque

Giovanni Boldini (Ferrara, 31 dicembre 1842 – Parigi, 11 gennaio 1931) è stato un pittore italiano, riconosciuto come uno degli interpreti più sensibili e fantasiosi della Belle Époque. Ottavo di tredici figli, nacque in una famiglia con profonde radici artistiche. Il  padre infatti, Antonio Boldini, era un pittore e restauratore. Fin da giovane, Giovanni mostrò un talento precoce per l’arte, ricevendo le prime lezioni dal padre. Nel 1862 si trasferì a Firenze per approfondire gli studi artistici. Entrò così in contatto con il gruppo dei Macchiaioli, movimento che influenzò significativamente la sua formazione. Durante il soggiorno fiorentino, frequentò il Caffè Michelangelo, luogo di ritrovo di artisti e intellettuali dell’epoca. Nel 1867 si stabilì a Parigi, dove iniziò a dedicarsi alla pittura di ritratti e paesaggi, subendo l’influenza di artisti come Édouard Manet. Successivamente, trascorse un periodo a Londra, dove realizzò ritratti di personalità di spicco, tra cui l’artista James McNeill Whistler. Tornato a Parigi, divenne uno dei ritrattisti più richiesti dell’alta società, immortalando l’élite europea con uno stile elegante e dinamico.

Opere Principali

La produzione artistica di Giovanni Boldini è vasta e diversificata, comprendendo ritratti, paesaggi e scene di genere. Tra le sue opere più significative si annoverano:

• “Ritratto di Robert de Montesquiou” (1897): questo dipinto raffigura il celebre poeta e dandy francese, evidenziando la capacità di Boldini di cogliere l’essenza psicologica dei suoi soggetti.
• “Ritratto di Giuseppe Verdi” (1886): un’opera iconica che ritrae il famoso compositore italiano in età avanzata, esprimendo la sua profondità e saggezza.
• “La Signora in Rosa” (1916): questo ritratto rappresenta una giovane donna avvolta in un elegante abito rosa, esemplificando la maestria di Boldini nel rendere la fluidità dei tessuti e la grazia femminile.
• “Ritratto di Consuelo Vanderbilt” (1905): raffigurante la duchessa di Marlborough, l’opera mette in luce l’abilità dell’artista nel rappresentare l’opulenza e la raffinatezza dell’aristocrazia.
• “Ritratto di Marthe Régnier” (circa 1905): questo dipinto cattura l’eleganza dell’attrice francese, con pennellate rapide che conferiscono dinamismo alla composizione.
• “Ritratto di Madame Charles Max” (1896): un’opera che evidenzia la capacità di Boldini di combinare realismo e impressionismo, creando un’immagine vibrante e sofisticata.
• “Ritratto di Lady Colin Campbell” (1894): questo dipinto ritrae una delle figure più affascinanti dell’alta società britannica, con un uso magistrale della luce e del colore.
• “Ritratto di Emiliana Concha de Ossa” (circa 1888): raffigurante una giovane donna cilena, l’opera mostra l’abilità di Boldini nel catturare la bellezza esotica e l’eleganza del soggetto.

L’Eredità Artistica di Giovanni Boldini

Giovanni Boldini ha lasciato un’impronta indelebile nell’arte europea del tardo Ottocento e dei primi del Novecento, diventando uno dei ritrattisti più celebri della sua epoca. La sua capacità di combinare realismo e impressionismo, unita a una tecnica pittorica brillante e a una profonda comprensione della psicologia dei suoi soggetti, gli permise di immortalare l’élite europea con uno stile inconfondibile. Le sue opere, caratterizzate da pennellate fluide e dinamiche, continuano a essere esposte nei più importanti musei del mondo, testimonianza della sua maestria e del suo contributo all’arte della Belle Époque.

Possiedi opere di Giovanni Boldini?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Noè Bordignon: Pittore del Realismo Veneto

Noè Raimondo Bordignon (Salvarosa, 3 settembre 1841 – San Zenone degli Ezzelini, 7 dicembre 1920) è stato un pittore italiano, noto per le sue opere che spaziano tra il realismo e il simbolismo. Nato in una famiglia di umili origini, grazie all’interessamento di alcune personalità locali, ricevette una prima formazione artistica a Castelfranco Veneto. Nel 1859, si iscrisse all’Accademia di Belle Arti di Venezia, dove fu allievo di Michelangelo Grigoletti, Carlo De Blaas e Pompeo Marino Molmenti. Durante gli anni di studio, strinse amicizia con artisti come Giacomo Favretto e Guglielmo Ciardi, e successivamente con Tranquillo Cremona. Nel 1865, completò gli studi all’Accademia, ottenendo una borsa di studio che gli permise di trasferirsi a Roma per approfondire la sua formazione artistica. Questa esperienza romana influenzò profondamente il suo stile, arricchendolo di nuove prospettive e tecniche.

Opere Principali

La produzione artistica di Noè Bordignon è vasta e diversificata, comprendendo affreschi, dipinti a olio e opere di genere. Tra le sue opere più significative si annoverano:

• “La Dottrina”: un dipinto che raffigura una scena di insegnamento religioso, evidenziando l’attenzione dell’artista per le tematiche popolari e la vita quotidiana.
• “Le Pettegole”: quest’opera rappresenta un gruppo di donne impegnate in conversazioni animate, mettendo in luce l’abilità di Bordignon nel catturare momenti di vita comune.
• “Un Cortile a Venezia”: un dipinto che ritrae un tipico cortile veneziano, esposto a Parigi nel 1878, che testimonia l’interesse dell’artista per gli scorci urbani e la vita cittadina.
• “Fiori e dolci parole”: presentato all’esposizione di Venezia del 1887, questo lavoro combina elementi floreali con scene di interazione umana, mostrando la versatilità tematica di Bordignon.
• “Per l’America”: un’opera che affronta il tema dell’emigrazione, riflettendo le preoccupazioni sociali del periodo e l’empatia dell’artista verso le condizioni dei migranti.
• “Motti e Risate”: questo dipinto cattura momenti di allegria e convivialità, sottolineando l’interesse di Bordignon per le dinamiche sociali e le espressioni umane.
• “Scarpette nuove”: un’opera che ritrae una giovane con nuove calzature, simbolo di crescita e cambiamento, esemplificando l’attenzione dell’artista ai dettagli della vita quotidiana.
• “Pater Noster”: un dipinto che rappresenta un momento di preghiera, evidenziando la spiritualità e la devozione presenti nelle opere di Bordignon.

Oltre a queste opere, Bordignon si dedicò anche alla pittura murale, realizzando affreschi e pale d’altare in varie chiese e palazzi del Veneto, contribuendo significativamente al patrimonio artistico della regione.

L’Eredità Artistica di Noè Bordignon

Noè Bordignon ha lasciato un’impronta significativa nell’arte italiana tra il XIX e il XX secolo, distinguendosi per la sua capacità di rappresentare con sensibilità e realismo la vita quotidiana e le tradizioni popolari del Veneto. La sua attenzione ai dettagli e la capacità di cogliere l’essenza dei soggetti lo rendono un interprete autentico della realtà sociale del suo tempo. Le sue opere continuano a essere apprezzate per la loro profondità emotiva e la maestria tecnica, mantenendo viva la tradizione pittorica veneta.

Possiedi opere di Noè Bordignon?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Odoardo Borrani: Pittore Italiano e Protagonista del Movimento dei Macchiaioli

Odoardo Borrani (Pisa, 22 agosto 1833 – Firenze, 14 settembre 1905) è stato un pittore italiano, noto per il suo contributo al movimento dei Macchiaioli. Nato a Pisa, si trasferì con la famiglia a Firenze nel 1840. Qui, iniziò la sua formazione artistica sotto la guida del padre, Davide Borrani, anch’egli pittore. Nel 1850, si iscrisse all’Accademia di Belle Arti di Firenze, dove studiò con maestri come Gaetano Bianchi, Giuseppe Bezzuoli ed Enrico Pollastrini. Durante questo periodo, Borrani si avvicinò al gruppo dei Macchiaioli, frequentando il Caffè Michelangiolo, luogo di ritrovo di artisti innovatori. Nel 1859, partecipò come volontario alla Seconda Guerra d’Indipendenza Italiana, esperienza che influenzò profondamente la sua arte.

Opere Principali

La produzione artistica di Odoardo Borrani è ricca e variegata, comprendendo scene di vita quotidiana, paesaggi e ritratti. Tra le sue opere più significative si annoverano:

• “Il 26 aprile 1859” (1861): quest’opera rappresenta un momento cruciale del Risorgimento italiano, evidenziando l’impegno patriottico dell’artista.
• “Le cucitrici di camicie rosse” (1863): un dipinto che raffigura donne intente a cucire camicie per i garibaldini, simbolo del contributo femminile alla causa nazionale.
• “La speranza perduta” (1865): un’opera che esprime sentimenti di delusione e malinconia, riflettendo le difficoltà del periodo post-unitario.
• “Il carro rosso a Castiglioncello” (1867): un paesaggio che cattura la luce e l’atmosfera della campagna toscana, tipico dello stile macchiaiolo.
• “L’orto a Castiglioncello” (circa 1865): un’altra veduta rurale che testimonia l’attenzione di Borrani per la natura e la vita agreste.
• “L’analfabeta” (1865): un dipinto che affronta il tema dell’istruzione e dell’analfabetismo, problematica sociale rilevante dell’epoca.
• “Riposo dei muratori” (1869-1870): un’opera che ritrae lavoratori durante una pausa, sottolineando la dignità del lavoro manuale.
• “Passeggiata nel giardino” (1870-1879): un dipinto che mostra figure femminili in un ambiente naturale, esprimendo serenità e armonia.

Oltre a queste opere, Borrani si dedicò alla pittura en plein air, realizzando numerosi studi e dipinti nelle campagne toscane, contribuendo allo sviluppo del movimento macchiaiolo.

L’Eredità Artistica di Odoardo Borrani

Odoardo Borrani ha svolto un ruolo cruciale nel panorama artistico italiano del XIX secolo, contribuendo significativamente al movimento dei Macchiaioli. La sua capacità di rappresentare la realtà con immediatezza e sensibilità ha influenzato numerosi artisti contemporanei e successivi. Le sue opere, caratterizzate da una profonda attenzione alla luce e al colore, continuano a essere apprezzate per la loro autenticità e valore storico.

Possiedi opere di Odoardo Borrani?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Millo Bortoluzzi: Maestro delle Vedute Veneziane

Millo Bortoluzzi, nato Camillo Bortoluzzi (Treviso, 31 luglio 1868 – Dolo, 10 febbraio 1933), è stato un pittore italiano, noto per le sue vedute veneziane e i paesaggi caratteristici. Figlio di un’epoca in cui il colorismo veneto dominava, Bortoluzzi affinò il suo talento artistico dapprima presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, sebbene sia stato in gran parte autodidatta nel consolidare il proprio stile. Dopo aver esordito all’Esposizione Nazionale di Venezia nel 1887, si distinse per la sua capacità di catturare atmosfere luminose e paesaggi con dettagli realistici, ricevendo ampi consensi sia in Italia che all’estero. Le sue opere vennero presentate con regolarità alla Biennale di Venezia dal 1895 al 1924.

Opere Principali

La produzione artistica di Millo Bortoluzzi è caratterizzata da una profonda sensibilità per i paesaggi veneti e la laguna veneziana. Tra le sue opere più significative si annoverano:

• “Calle veneziana”: una veduta intima che cattura i dettagli delle stradine veneziane con delicata precisione.
• “Mercato ortofrutticolo veneziano”: dipinto che immortala la vivacità e i colori del mercato locale.
• “Laguna veneziana”: una rappresentazione del paesaggio lagunare, con variazioni atmosferiche tipiche del maestro.
• “Il Canal Grande di Venezia”: un’opera che celebra l’eleganza architettonica e l’animazione della vita veneziana.
• “Lago Alpestre”: un paesaggio montano che testimonia l’interesse di Bortoluzzi per i soggetti naturali al di fuori dell’ambiente urbano.
• “Laguna di Venezia”: un’altra visione lirica della laguna, caratterizzata dalla sua maestria nella resa della luce.
• Decorazioni di ville private e hotel: oltre ai dipinti, Bortoluzzi si dedicò alla decorazione di prestigiosi edifici, tra cui il Grand Hotel di Misurina.

L’Eredità Artistica di Millo Bortoluzzi

Millo Bortoluzzi ha lasciato un segno indelebile nell’arte paesaggistica italiana, grazie alla sua capacità di catturare l’anima di Venezia e del Veneto. Le sue opere, esposte in collezioni pubbliche e private, continuano a essere ammirate per la loro qualità tecnica e l’intensa resa atmosferica. Una recente mostra a Cortina d’Ampezzo ha celebrato l’eredità della famiglia Bortoluzzi, evidenziando l’importanza del contributo di Millo al panorama artistico dell’epoca.

Possiedi opere di Millo Bortoluzzi?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Carlo Bossoli: Pittore e Scenografo del XIX Secolo

Carlo Bossoli (Lugano, 6 dicembre 1815 – Torino, 1º agosto 1884) è stato un pittore e scenografo svizzero naturalizzato italiano. Nato a Lugano, si trasferì con la famiglia a Odessa nel 1820, dove iniziò la sua formazione artistica sotto la guida dello scenografo italiano Rinaldo Nannini. Nel 1833 vendette le sue prime opere, dimostrando una precoce abilità nel disegno e nella pittura. Grazie al sostegno dei principi Voroncov, poté intraprendere viaggi di studio a Roma e Napoli, approfondendo le sue conoscenze artistiche. Nel 1843 si stabilì in Italia, prima a Milano e successivamente a Torino, dove continuò la sua carriera di vedutista e illustratore di eventi storici.

Opere Principali

La produzione artistica di Carlo Bossoli è vasta e diversificata, comprendendo vedute panoramiche, scene storiche e paesaggi. Tra le sue opere più significative si annoverano:

• “Veduta di Lugano. Piazza e Riva del Grano” (1849): un dipinto che ritrae con precisione la piazza principale di Lugano, evidenziando l’attenzione dell’artista per i dettagli architettonici.
• “Piazza del Duomo, Milano”: un’opera che cattura l’imponenza del Duomo di Milano e l’animazione della piazza circostante.
• “Veduta del Bosforo, Costantinopoli” (1839): un dipinto che rappresenta il paesaggio suggestivo del Bosforo, con una particolare attenzione alle sfumature luministiche.
• “Arco di Augusto, Susa”: un’opera che raffigura l’antico arco romano situato a Susa, mettendo in risalto la maestosità dell’architettura storica.
• “Rovine di Chersoneso, Crimea”: un dipinto che testimonia l’interesse di Bossoli per i siti archeologici e la storia antica.

Oltre a queste opere, Bossoli realizzò numerose illustrazioni e litografie, documentando eventi storici del suo tempo, come le guerre del Risorgimento italiano. Le sue opere sono conservate in importanti collezioni pubbliche e private, tra cui la Galleria d’Arte Moderna di Torino.

L’Eredità Artistica di Carlo Bossoli

Carlo Bossoli ha lasciato un’impronta significativa nell’arte del XIX secolo, distinguendosi per la sua abilità nel combinare precisione documentaria e sensibilità artistica. Le sue vedute panoramiche e le scene storiche offrono una testimonianza visiva preziosa degli eventi e dei luoghi del suo tempo. La sua opera continua a essere oggetto di studi e mostre, evidenziando l’importanza del suo contributo al patrimonio artistico europeo.

Possiedi opere di Carlo Bossoli?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo

Stefano Bruzzi: Pittore Italiano del XIX Secolo

Stefano Bruzzi (Piacenza, 1º maggio 1835 – Piacenza, 4 gennaio 1911) è stato un pittore italiano, noto per i suoi paesaggi e scene di vita rurale. Nato a Piacenza, iniziò la sua formazione artistica presso l’Istituto Gazzola sotto la guida di Lorenzo Toncini. Nel 1854 si trasferì a Roma per approfondire gli studi con Alessandro Castelli, entrando in contatto con artisti come Nino Costa e Arnold Böcklin. Dopo il periodo romano, tornò a Piacenza e successivamente visse a Bologna, Milano e Firenze, dove frequentò esponenti dei Macchiaioli, movimento che influenzò significativamente il suo stile.

Opere Principali di Stefano Bruzzi

La produzione artistica di Stefano Bruzzi è caratterizzata da una profonda sensibilità verso la natura e la vita contadina. Tra le sue opere più significative si annoverano:

• “Il castello di Gropparello” (1855): una delle prime opere, commissionata dal marchese Anguissola, che testimonia l’abilità nel rappresentare l’architettura immersa nel paesaggio.
• “Pastorella con pecore che brucano”: un dipinto che raffigura una giovane pastorella con il suo gregge, evidenziando l’attenzione dell’artista per le scene di vita rurale.
• “Mulattieri sull’Appennino”: un’opera che rappresenta viandanti con muli lungo i sentieri appenninici, sottolineando la maestria nel rendere le atmosfere montane.
• “La piccola guardiana”: un dipinto che ritrae una bambina intenta a sorvegliare il gregge, esprimendo la delicatezza e l’innocenza dell’infanzia rurale.
• “Autunno nel bosco di faggi”: un’opera che cattura i colori e l’atmosfera autunnale di un bosco, mostrando la padronanza nell’uso della luce e del colore.

L’Eredità Artistica di Stefano Bruzzi

Stefano Bruzzi ha lasciato un’impronta significativa nell’arte italiana del XIX secolo, distinguendosi per la rappresentazione autentica della vita rurale e dei paesaggi appenninici. La sua capacità di cogliere le sfumature della natura e la quotidianità del mondo contadino lo rendono un interprete sensibile della realtà del suo tempo. Le sue opere continuano a essere apprezzate per la loro profondità emotiva e la maestria tecnica, mantenendo viva la tradizione pittorica italiana.

Possiedi opere di Stefano Bruzzi?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Vincenzo Cabianca: Maestro dei Macchiaioli e Poeta della Luce

Vincenzo Cabianca (Verona, 20 giugno 1827 – Roma, 21 marzo 1902) è stato un pittore italiano, tra i principali esponenti del movimento dei Macchiaioli. Nato a Verona, Cabianca iniziò la sua formazione artistica presso l’Accademia Cignaroli, studiando sotto la guida di Giovanni Caliari. Successivamente, proseguì gli studi all’Accademia di Belle Arti di Venezia dal 1845 al 1847. Partecipò ai moti rivoluzionari del 1848, venendo imprigionato durante la difesa di Bologna. Dopo la liberazione, visse a Venezia fino al 1853, per poi trasferirsi a Firenze, dove frequentò il Caffè Michelangiolo, ritrovo di artisti che sarebbero diventati noti come i Macchiaioli.

Opere Principali

Tra le opere più significative di Cabianca si annoverano:

• “Le monachine” (1861-1862): dipinto raffigurante un gruppo di suore, esposto a Torino.
• “La Mandriana” (1860): opera che ritrae una giovane pastorella immersa nella natura.
• “Il bagno fra gli scogli”: scena marina che evidenzia l’interesse dell’artista per gli effetti di luce sull’acqua.
• “Sant’Angelo all’Isola di Giudecca”: veduta veneziana che testimonia il legame di Cabianca con la città lagunare.
• “La neve in Ciociaria”: paesaggio innevato che mostra l’abilità dell’artista nel rendere atmosfere suggestive.

Stile e Tecnica

Cabianca fu un esponente di rilievo dei Macchiaioli, movimento artistico che privilegiava l’uso di macchie di colore per rendere effetti di luce e ombra, anticipando alcune tecniche dell’Impressionismo. Le sue opere si distinguono per i forti contrasti chiaroscurali e per l’attenzione agli effetti luminosi, spesso rappresentando scene di vita quotidiana e paesaggi en plein air.

Eredità Artistica

Il contributo di Vincenzo Cabianca all’arte italiana dell’Ottocento è significativo, soprattutto per il ruolo svolto nel movimento dei Macchiaioli. Le sue opere sono conservate in importanti musei, tra cui la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma e il Brooklyn Museum di New York. La sua ricerca sugli effetti della luce e il suo approccio realistico hanno influenzato generazioni successive di artisti.

Possiedi Opere di Vincenzo Cabianca?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Ippolito Caffi: Maestro delle Vedute e Cronista del Risorgimento

Ippolito Caffi (Belluno, 16 ottobre 1809 – Lissa, 20 luglio 1866) è stato un pittore italiano, celebre per le sue vedute architettoniche e marine, nonché per i suoi reportage pittorici di eventi storici. Nato a Belluno da Giacomo e Maria Castellani, Caffi iniziò la sua formazione artistica nella città natale, proseguendo poi a Padova sotto la guida del cugino pittore Pietro Paoletti e collaborando con Giovanni De Min, esponente del neoclassicismo. Successivamente, frequentò l’Accademia di Belle Arti di Venezia, dove approfondì lo studio della prospettiva e si avvicinò alla tradizione dei vedutisti veneziani del Settecento. Nel 1832 si trasferì a Roma, dove aprì un proprio studio e si dedicò alla pittura dal vero e al disegno, affinando ulteriormente la sua tecnica.

Opere Principali

Tra le opere più significative di Caffi si annoverano:

• “Neve e nebbia sul Canal Grande” (1840): un dipinto che cattura l’atmosfera invernale di Venezia, evidenziando la sua maestria nel rendere gli effetti atmosferici.
• “Roma: volo del globo” (1842): opera che rappresenta un evento avvenuto a Roma, mostrando l’interesse dell’artista per gli avvenimenti contemporanei.
• “Santa Sofia, Costantinopoli” (1843): dipinto realizzato durante i suoi viaggi in Oriente, testimonianza del suo interesse per l’esotismo e le culture lontane.
• “Notte di Carnevale in Piazza San Marco” (1850): scena notturna che ritrae l’animata atmosfera del carnevale veneziano, con un uso sapiente della luce.
• “Veduta del Pantheon, Roma” (1856): opera che evidenzia la sua abilità nel rappresentare l’architettura classica con precisione e realismo.

Stile e Tecnica

Caffi è noto per la sua capacità di combinare la tradizione vedutista veneziana con un approccio innovativo agli effetti luminosi e atmosferici. Le sue opere si distinguono per l’attenzione ai dettagli architettonici e per la resa realistica delle condizioni atmosferiche, come nebbia, neve e luce notturna. La sua tecnica pittorica, caratterizzata da una tavolozza cromatica raffinata e da una pennellata precisa, gli permise di catturare con vividezza le scene urbane e gli eventi storici del suo tempo.

Eredità Artistica

Ippolito Caffi ha lasciato un’impronta significativa nella pittura italiana dell’Ottocento, distinguendosi per la sua capacità di documentare, attraverso l’arte, eventi storici e scene di vita quotidiana. La sua partecipazione attiva ai moti rivoluzionari del 1848 e il suo impegno patriottico si riflettono nelle sue opere, che offrono una testimonianza visiva del periodo risorgimentale. Le sue vedute di città come Venezia, Roma e Costantinopoli continuano a essere apprezzate per la loro qualità artistica e il loro valore documentario.

Possiedi Opere di Ippolito Caffi?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.

Glauco Cambon: Artista Poliedrico tra Simbolismo e Liberty

Glauco Cambon (Trieste, 13 agosto 1875 – Biella, 7 marzo 1930) è stato un pittore italiano, noto per la sua versatilità artistica che spaziava dal ritratto alla decorazione, dalla caricatura alla cartellonistica pubblicitaria.

Nato in una famiglia agiata e culturalmente attiva, con il padre Luigi, avvocato e deputato, e la madre Elisa Tagliapietra, poetessa, Cambon crebbe in un ambiente stimolante. Dopo aver interrotto gli studi classici a Trieste, si trasferì a Monaco di Baviera nel 1892, iscrivendosi all’Accademia locale. Qui, sotto l’influenza di artisti come Franz von Stuck, sviluppò un interesse per il simbolismo e la Secessione. Nel 1893 ottenne una menzione d’onore con il dipinto “La Musica”. Successivamente, completò la sua formazione a Roma dal 1900 al 1905, grazie al “pensionato romano” della Fondazione Rittmeyer.

Opere Principali

Tra le opere più significative di Cambon si annoverano:

• “Il velo azzurro” (1907): olio su cartone che ritrae una figura femminile velata, conservato al Museo Revoltella di Trieste.
• “Trieste di notte”: veduta notturna della città natale dell’artista, esposta alla Galleria d’Arte Moderna di Udine.
• “Ritratto di Attilio Hortis” (1893): uno dei primi ritratti realizzati, esposto a Trieste presso Schollian.
• “Amor renovator vitae” (1912): composizione allegorica su grande pannello, esemplificativa del suo stile simbolista.
• “Ferruccio Benini in ‘Don Marzio maldicente a la bottega di caffè'”: ritratto dell’attore in una scena teatrale, presentato alla Biennale di Venezia del 1910.

Stile e Tecnica

Cambon fu un artista eclettico, capace di spaziare tra diversi generi e tecniche. Nei ritratti, si nota l’influenza dell’impressionismo, con particolare riferimento a Umberto Veruda e Arturo Rietti. Le sue vedute urbane, come “Trieste di notte”, mostrano una sensibilità verso gli effetti luminosi e atmosferici. Inoltre, si dedicò alla grafica pubblicitaria, realizzando manifesti caratterizzati da una vena caricaturale e decorativa, in linea con lo stile Liberty dell’epoca.

Eredità Artistica

La produzione artistica di Glauco Cambon riflette le pulsioni e le trasformazioni culturali di Trieste e dell’Italia tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento. Le sue opere sono conservate in importanti istituzioni museali, tra cui il Museo Revoltella di Trieste e la Galleria d’Arte Moderna di Udine. La sua capacità di coniugare tradizione e innovazione, realismo e simbolismo, lo rende una figura significativa nel panorama artistico italiano dell’epoca.

Possiedi Opere di Glauco Cambon?

Richiedi una valutazione gratuita del loro valore compilando questo modulo.